UNIDAD DIDÁCTICA

ARTE Y NATURALEZA: EL LANDART COMO MEDIO DE EXPRESIÓN

1. INTRODUCCIÓN

1.1 TÍTULO

“Arte y Naturaleza: el Land Art como medio de expresión”

1.2. TEMÁTICA

El Land Art es una tendencia del arte contemporáneo que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, árboles, etc.) como medios de expresión. Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecen quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Es arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura.
El principio fundamental del Land Art es alterar, con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones en el observador.

1.3. FUNDAMENTOS

Dadas sus características, se trata de una actividad apropiada para atraer la atención y el interés de los alumnos por el arte contemporáneo, a la vez que éstos aprenden e interiorizan conceptos nuevos para ellos relacionados con el ámbito artístico. El enfoque que se dará a la actividad será mayoritariamente práctico, buscando la transmisión de conocimientos y la experiencia propia a través de la práctica.

1.4. CONTEXTUALIZACIÓN

Temporalización
La actividad propuesta se llevará a cabo durante el tercer trimestre del curso escolar 2010/2011. Se ha elegido esta fecha para garantizar un clima adecuado, ya que una buena parte la esta unidad didáctica se realizará al aire libre.
Constará de 11 sesiones de diferente duración que suman un total de 15 horas. Una primera parte irá dedicada a la exposición teórica de conceptos y una segunda, de mayor duración, para el desarrollo de la actividad, así como las conclusiones y evaluación de la misma en las últimas sesiones. Más adelante se especificará la organización y duración concreta de cada una de las sesiones.

Características del Centro
Esta unidad didáctica está diseñada para desarrollarse en un colegio privado de enseñanza primaria y secundaria en un barrio residencial de Sevilla, concretamente el Colegio Alemán Alberto Durero, ubicado en Sevilla Este. La zona concreta en la que se encuentra nuestro colegio es muy tranquila, con un parque a pocos metros en el que los alumnos pueden recopilar materiales y llevar a cabo la actividad que más adelante se propone. No sería necesario solicitar transporte ni horas extraescolares ya que sólo hay que cruzar la calle para acceder.
El nivel socio-económico de las familias del colegio es alto, pues se trata, en su mayoría, de familias con formación alta y buenos salarios. Este hecho influye en las aspiraciones de los alumnos y, en consecuencia, en un mayor interés por su formación. Gracias a ello nos podremos permitir desarrollar la programación sin grandes obstáculos y, posiblemente, ser más ambicioso a la hora de establecer los objetivos de esta unidad didáctica.

Dotación del centro
El Colegio Alemán cuenta buenas infraestructuras en general (polideportivo cubierto, pistas de fútbol y baloncesto, aula de informática dotada de múltiples ordenadores con acceso a internet, biblioteca, etc.). Para el campo de la plástica cuenta con un aula dedicada exclusivamente al desarrollo de la asignatura de Plástica y Visual. Se trata de un aula amplia con instalación de seis pilas con agua corriente, varios ventanales que aportan buena iluminación natural, mesas amplias y varias estanterías para almacenar el material.
En relación al presupuesto para esta actividad cabe destacar que el material necesario para su desarrollo será en su mayoría de desecho o elementos de la naturaleza, por lo que no supondrá un coste significativo. Además, la salida programada del centro no conlleva el empleo de transporte ni gastos adicionales. Previsiblemente, se necesitará materiales tales como pinturas, tizas, tintes, pinceles, etc. La mayoría de ellos ya se encuentran en el aula de plástica, y salvo algún material más específico, no será necesario comprar nada nuevo.

Características del alumnado
Se trata de un grupo de 22 alumnos de 4º de ESO, muy unidos entre ellos ya que comparten aula desde los seis años. Al tratarse de un colegio privado la procedencia de los alumnos es muy variada, contando entre ellos con alumnos de distintas nacionalidades (tres alemanes, un inglés y dieciocho españoles). Entre ellos no se encuentra ningún alumno que requiera necesidades especiales, salvo dos casos de hiperactividad, uno de ellos muy acentuado. Estos casos suponen una enorme dispersión mental que se concreta en falta de atención y concentración del alumno, así como comportamiento revoltoso en clase. Puesto que la actividad que se expone es mayoritariamente práctica y al aire libre, estos dos alumnos necesitarán más atención por parte del docente pero en ningún caso un trato diferente al del resto de sus compañeros.


2. OBJETIVOS

2.1. GENERALES

- Relacionarse con otras personas e integrarse de forma participativa en actividades de grupo con actitudes solidarias y tolerantes, libre de inhibiciones y prejuicios.
- Valorar las repercusiones que sobre el medio físico tienen la actividad humana y contribuir a la defensa, conservación y mejora del mismo como elemento determinante de la calidad de vida.
- Conocer y apreciar el patrimonio natural del entorno cercano
- Interpretar, comprender y producir mensajes que utilicen códigos artísticos con propiedad, autonomía y creatividad, utilizándolos para comunicarse y organizar el pensamiento.
- Elaborar estrategias de identificación y resolución de problemas en los diversos campos del conocimiento y la experiencia, contrastándolas y reflexionando sobre el proceso seguido.
- Favorecer el desarrollo integral de la persona
- Potenciar la capacidad de observación
- Apreciar y valorar el hecho artístico como disfrute y parte integrante de un patrimonio cultural, contribuyendo activamente a su respeto, conservación y mejora.
- Desarrollar una sensibilidad creciente para apreciar todo tipo de manifestaciones estéticas.
- Desarrollar destrezas que favorezcan y amplíen la capacidad expresiva
- Promover la desinhibición y la motivación personal
- Respetar y valorar críticamente las formas de expresión visual y plástica diferentes a las de su entorno cultural
- Comprender la importancia del lenguaje visual y plástico como expresión de vivencias, sentimientos e ideas propios, posibilitando una mayor capacidad de expresión
- Fomentar el conocimiento de las técnicas, su utilidad y funcionamiento, así como de la planificación técnica que requiere toda creación
- Conocer diferentes técnicas y soportes plásticos y experimentar con su aplicación práctica

2.2. ESPECÍFICOS

- Acercar al alumnado a las posibilidades gráfico-plásticas de la textura como medio de expresión y comunicación
- Observar los conceptos de relación y comparación en la proporción
- Conocer la importancia del diseño y la plástica en nuestra sociedad
- Comprender y analizar el concepto de espacio como lugar de trabajo y ubicación de la propia obra de arte
- Apreciar las posibilidades expresivas que ofrece la utilización consciente del color, estudiar las diversas posibilidades de representación de los árboles
- Respetar el medio ambiente que les rodea a través del contacto directo con la naturaleza


3. COMPETENCIAS

- Competencia del conocimiento y la interacción con el medio físico:
Visita a un parque cercano donde se pondrá de manifiesto la diversidad de elementos que lo componen.
- Competencia de la información y competencia digital:
Utilización de soportes informáticos para la búsqueda y visualización de la información. Realización de una serie fotográfica del proceso creativo (realización y selección de las fotografías, revelado, etc.), así como la posible realización de un vídeo.
- Competencia socia y ciudadana:
Fomentar la colaboración y el apoyo entre compañeros e inculcar valores de convivencia.
- Competencia cultural y artística:
Generar conciencia del patrimonio natural y artístico de nuestro entorno y ciudad, y aprender a respetarlo. Adquirir destrezas y habilidades en el desarrollo de actividades artísticas.
- Competencia de aprender a aprender:
Adquirir la capacidad de resolver una misma cuestión de diferentes maneras para facilitar el aprendizaje.
- Competencia de autonomía:
Mejorar la capacidad de reacción y resolución ante diferentes problemas e imprevistos.
- Competencia de iniciativa personal:
Fomentar el pensamiento autónomo e individual, así como el respeto y la valoración positiva de diferentes formas de pensamiento e ideas.


4. CONTENIDOS

4.1. CONCEPTUALES

- El Land Art como movimiento artístico contemporáneo: autores y obras representativos.
- Cualidades expresivas de la textura y el color
- La proporción como relación relación y comparación
- La composición y el equilibrio
- Relación fondo-forma
- Direcciones visuales: contraste y complementación de las proyecciones verticales y horizontales
- Tensión visual, pesos visuales
- El ecologismo como un recurso con grandes posibilidades

4.2. PROCEDIMENTALES

- Investigación experimental a partir de elementos de origen natural (vegetal y/o animal)
- Seleccionar y experimentar con los elementos naturales que mejor se adecuen a las intenciones expresivas, comunicativas y funcionales del alumno.
- Alteración de proporciones como medio de expresión
- Conocimiento de obras procedentes de artistas que hayan elegido el Land Art como medio de expresión

4.3. ACTITUDINALES

- Predisposición a investigar las posibilidades expresivas de la naturaleza y los materiales
- Valoración de la proporción tanto en el entorno natural como en el artificial
- Profundizar en la lectura sensible de diferentes propuestas visuales
- Asumir la necesidad de manejar los materiales correctamente, fundamentalmente aquellos que requieran el uso de equipo de seguridad personal (mascarilla, guantes, gafas, etc.)
- Interés por la investigación de soluciones creativas
- Valoración y respeto de las obras de los compañeros

4.4. TRANSVERSALES

- Educación ambiental:
Se intenta promover la adquisición de hábitos respetuosos con el medio ambiente y mantener el equilibrio existente entre el hombre y la naturaleza.
- Educación moral y cívica:
Se fomenta el desarrollo de actitudes abiertas hacia las opiniones de los demás, tan importante en una sociedad democrática.
- Educación para la salud:
Se inculcará la importancia del uso de material de seguridad personal en el empleo de materiales tóxicos, pesados, cortantes, etc.
- Trabajo en equipo:
El trabajo en pequeños grupos permite el intercambio de ideas y fomenta la sociabilidad y la colaboración, generando actitudes de solidaridad.
El trabajo en equipo basado en grandes grupos (toda la clase) permite la realización de grandes actividades que de forma individual no serían posibles. Es muy gratificante y aumenta los lazos de unión entre los compañeros.


5. METODOLOGÍA

5.1. ACTIVIDADES

- INTRODUCTORIAS:

Sesión 1 (2 horas):
Explicación e introducción teórica al Land Art con ayuda de ejemplos en soporte digital, tales como fotografías y vídeos de artistas actuales que trabajen en este campo.

Sesión 2 (1 hora):
Se expondrá el trabajo a realizar por parte de los alumnos: se divide a la clase en grupos de cuatro y cinco personas que trabajarán conjuntamente durante todo el proceso de trabajo. Uno de los grupos se encargará de la realización de fotografías y vídeo del proceso completo de elaboración de la obra. De este modo se permite a los alumnos desarrollar sus propias capacidades y su potencial propio, dándoles la oportunidad de explotar sus conocimientos previos y capacidades innatas. Así, al que le gusten las nuevas tecnologías tendrá la oportunidad de hacer las fotos o el vídeo, mientras que aquellos alumnos que se decanten más por la habilidad manual o la creatividad podrán dedicarse a la realización de la obra.

- DE DESARROLLO DE CONTENIDOS:

Se tratará de “interpretar” la sombra de los objetos. Para ello los alumnos deberán seleccionar una serie de materiales procedentes de la naturaleza que fijarán al suelo, dando lugar a nuevas sombras.

Sesión 3 (1 hora):
Se elegirán los diferentes objetos que se van a plasmar según la sombra que proyectan y sus capacidades expresivas (uno por grupo). Deberán ser objetos grandes e inmóviles situados en el patio del colegio (árboles, porterías...) Una vez elegido se dibujará sobre el suelo la silueta de la sobra que proyecta el objeto en ese momento.

Sesión 4 (1 hora):
Planificación del trabajo a realizar. Antes de empezar a trabajar la obra los grupos deberán decidir qué materiales y colores quieren emplear, en función de la textura y los efectos que quieren conseguir. Deberán explicar brevemente por escrito el por qué de su decisión. Deberán tener en cuenta que los materiales empleados han de ser obligatoriamente elementos de la naturaleza (hojas, arena, agua, ramas, piedras, etc.) pudiendo ser modificados en tamaño, color, forma,...

Sesión 5 (2 horas):
Se irá al parque a buscar y recopilar los elementos previamente elegidos y trasladarlos al aula. Organización y preparación del material que posteriormente se necesitará para trabajar o modificar los elementos seleccionados.

Sesión 6 (2 horas):
Modificación de los elementos (pintar, teñir, cortar, pegar, etc. los elementos). Serán los propios alumnos los que decidan cómo repartirse el trabajo dentro de su propio grupo. El material quedará listo para ser trasladado y colocado en el lugar definitivo, que será la sombra proyectada que dibujaron en la segunda sesión.

Sesión 7 (2 horas):
Traslado de los elementos a los diferentes lugares seleccionados por los niños al principio de la actividad. Donde se había dibujado la sombra de los objetos (por ejemplo árboles) se colocarán los elementos que han estado trabajando, dando lugar a un efecto de reflejo.

- DE ACABADO:

Sesión 8 (1 ó 2 horas):
Se analizarán los problemas encontrados hasta ahora y se les dará solución. Por ejemplo que los elementos elegidos sean muy ligeros y se vuelen con el aire. Serán los alumnos quienes descubran y solucionen los problemas, contando con la ayuda del profesor si fuera necesario.

- DE EVALUACIÓN:

Sesión 9 (1 hora):
Se reúne a los alumnos para realizar un coloquio sobre lo aprendido durante el trabajo, los problemas que han encontrado y cómo los han solucionado, conclusiones sobre el Land Art, etc. Los alumnos deberán elaborar sus propios juicios desde el punto de vista de autor, así como de espectador y crítico. Autoevaluación individual y grupal.

Sesión 10 (1 hora):
Montaje entre todos de las fotografías ya reveladas para ser expuestas en el colegio, éstas reflejarán el proceso de trabajo completo y el resultado final. Los alumnos decidirán si se montan secuencialmente sobre cartulinas o cartones, si se exponen junto a las propias obras o en un aula, etc. Serán ellos quienes decidan cómo y dónde exponerlas, promoviendo las ideas creativas y originales.

Sesión 11 (no incluida como tiempo de clase):
Visualización del trabajo realizado ante personas ajenas. La obra final, así como la serie fotográfica y el vídeo, se expondrán a modo de exposición el día de la fiesta de navidad ante los padres, profesores y alumnos del colegio. Así, se da por concluida la actividad completa desarrollada en esta unidad didáctica y, con ella, el primer trimestre del curso.

5.2. MEDIOS Y MATERIALES

Será necesario la utilización de un ordenador con conexión a un cañón de vídeo e internet. Además se utilizarán tizas, pintura, pinceles de varios tamaños, brochas, botes y cubos de diferentes anchura y altura, tintes, tijeras, cúter, varios tipos de pegamento, etc. Las infraestructuras e instalaciones que se necesitarán son el aula de plástica y, fundamentalmente, el patio del colegio, ya que gran parte de la actividad se desarrollará al aire libre.


6. EVALUACIÓN

Se realizará a lo largo de todo el proceso atendiendo a diferentes aspectos. No se realizarán pruebas o exámenes por escrito. Se valorará fundamentalmente el proceso de aprendizaje y la capacidad de resolución de problemas, más que el resultado final.
Se evaluarán los procedimientos, los conceptos y las actitudes. Se dará una gran importancia al esfuerzo y el interés mostrado por los alumnos, valorando positivamente los avances y la evolución progresiva de cada alumno según sus capacidades y conocimientos iniciales. Aspectos como la participación y la iniciativa serán también valorados positivamente.
Se llevará a cabo mediante la observación, el diálogo y el intercambio constante entre el profesor y el alumno.

SOBRE LOS TEXTOS

Había pensado hablar de cada uno de ellos por separado como se nos pedía, pero me parece absurdo repetir lo mismo cuatro veces (a excepción del texto de Marín).
Tengo la cabeza como un bombo. Me parecen absolutamente aburridos y farragosos. Para empezar tengo que leer varias veces cada párrafo para entender al menos de qué me están hablando. Para seguir no logro entender qué conclusión (práctica) se puede sacar de ellos. Creo que no hacen más que darle vueltas a la tortilla. Pero, ¿para qué? Al menos a mí no me están ayudando a ver más claro cómo dar una buena enseñanza artística. En mi opinión se alejan radicalmente de la realidad de las aulas, a pesar de que es de lo que hablan.
De hecho, la clase más útil, con vista a nuestro futuro como profesores, ha sido en mi opinión la que vino Javier Baena. Eso sí es hablar de la realidad, de nuestro futuro. De técnicas o posibilidades de enfocar y adaptar la educación artística en las aulas. Cómo motivar a un alumno, cómo ganarte su confianza y respeto, etc. Son cosas básicas, que en cierto modo pertenecen o no al carácter y la personalidad del propio docente, pero que tampoco está mal que te las cuenten y te hagan reflexionar.
No es que crea que sea inútil lo que hemos aprendido en clase y con los textos, simplemente no es lo que nosotros en estos momentos necesitamos, ni lo que más nos conviene. Si el master tuviera más horas en las que se pudiera sacar conclusiones claras de todo ello y, sobre todo, aplicaciones reales en las aulas de estos conocimientos, entonces sí me parecería provechoso.
En fin, esta es la conclusión que yo personalmente saco. Por supuesto puede que sea yo quien no ha sabido interpretar correctamente toda esta información. Lo cierto es que esperaba de este master que me enseñara, en definitiva, cómo dar clases, y sin embargo me voy igual que entré... Eso sí, sabiendo muchas cosas nuevas.

FUNDAMENTOS: MÁS POSMODERNIDAD

Pues eso, más de lo mismo: posmodernidad y más posmodernidad. Y yo sigo sin tener claro lo que es, pero bueno como un alumno leyó en alto su resumen me quedé con la copla. Ahí va:
La posmodernidad es una corriente que surge a finales del siglo XX como consecuencia de la globalización y la difusión de los medios de comunicación, así como la expansión de las nuevas tecnologías y su consecuente propagación de la información. De este modo, hablamos de un fenómeno cambiante, en contínua evolución y, por tanto, de características variables.
El recorrido que presenta es el siguiente: desarrollo de las nuevas tecnologías - que generan nuevos medios de comunicación - que fomenta la cultura de masas, la civer-cultura - esto lleva a la deconstrucción.
En lo referente a la educación durante este período (en el cual aún nos encontramos) los profesores se ven obligados a estar en contínua formación para mantenerse al día de las novedades tecnológicas. Además, deben educar fomentando las mentes críticas capaces de pensar de forma independiente.
En la actualidad existen dos propuestas educativas diferentes. Por un lado el modelo cultural visual, basado en el trabajo interdisciplinar. por otro, el modelo de pedagogía crítico-artística, sustentado en la reconstrucción social, entendiendo el arte como un arma política.

FUNDAMENTOS: CARACTERÍSTICAS DE POSMODERNIDAD

Pues no se qué decir. No entiendo ninguna de las palabras que se han utilizado en clase para definir las características de la posmodernidad. Iré leyendo lo que escriban mis compañeros, a ver si así me voy enterando mejor. De momento no puedo dar una opinión sobre el tema pero espero poder hacerlo pronto porque me frustra estar tan perdida...

FUNDAMENTOS: LA POSMODERNIDAD

Conclusiones y definición de posmodernidad y opinión justificada.
Ufff... Difícil, difícil. Lo cierto es que me he perdido una gran parte de las explicaciones, ya que por trabajo llego tarde siempre a clase. Por este motivo la idea que me he formado sobre el posmodernismo es bastante difusa y basada principalmente en lo que mis compañeros me han ido contando que se ha visto en clase. Aún así me aventuro a dar una definición (posiblemente deje mucho que desear...)
Pues bien, según mis conclusiones el posmodernismo es un movimiento no organizado que comienza hace ya varias décadas y que, en general, es todo aquello que saca los pies del plato con respecto a lo conocido hasta entonces. De este modo, el posmodernismo no tiene un denominador común, sino que cualquier cosa puede pertenecer a él. Usa frecuentemente las nuevas tecnologías y medios de comunicación, sin embargo no tiene una ideología concreta o un mensaje como la mayoría de los movimientos. En realidad creo que es el modo en que actualmente se le denomina a un periodo amplio de tiempo por la pura necesidad de ponerle nombre. Sin embargo estoy convencida de que en unos años, cuando la actualidad y el pasado más reciente queden más lejanos y se puedan estudiar con mayor perspectiva se le llamará de otro modo y posiblemente no se eche todo en el mismo saco que es actualmente el "posmodernismo".

METODOLOGÍA: EJEMPLO DE UNIDAD DIDÁCTICA

Este ejercicio debía realizarse en clase por parejas o grupos de tres, sin embargo he decidido hacerlo sola porque falté uno de los días a clase y he preferido no copiar simplemente el trabajo realizado por mis compañeros.

1. TEMÁTICA:
"Creación de un molde perdido"

2. APRENDIZAJE:
Aprender a realizar un molde perdido con escayola

3. CONCRECIÓN CURRICULAR:

- Introducción
El molde perdido es una técnica que se utiliza en escultura para la reproducción de una forma tridimensional

- Contextualización
Esta actividad va dirigida a chavales que estén cursando 2º del bachillerato artístico en el Pabellón de Chile (Sevilla). Se trata de chavales de unos 17 años con un nivel socio-cultural medio. Dado que se trata de un bachillerato con carácter vocacional fuerte, entiendo que tienen un nivel alto de interés por las clases y las materias cursadas. Esta actividad se desarrollará durante el primer trimestre del curso.
Las condiciones del aula son adecuadas para dicha actividad aunque los materiales deberán aportarlos los propios alumnos.

- Objetivos
* Generales
Conocer de forma general los diferentes métodos y técnicas de reproducción en escultura y en particular el molde perdido (clase teórica)
Desarrollar la capacidad de resolver problemas e imprevistos en la realización de un molde perdido de escayola
* Específicos
Fabricar un molde perdido de escayola
Realizar un positivo de escayola del mismo molde
Conocer la técnica para hacer escayola correctamente y de diferentes densidades, así como sus diferentes usos
Aprender el correcto manejo de las herramientas
Concienciar sobre el uso del equipo de seguridad (guantes, gafas, etc.)

- Competencias
* Competencia del conocimiento y la interacción con el mundo físico: los alumnos podrán aplicar los conocimientos adquiridos para posteriores trabajos más complejos o incluso para la realización de esculturas o montajes en su entorno
* Competencia de la información y competencia digital: podrán utilizar soportes informáticos para complementar la información y realizar una serie fotográfica de todo el proceso
* Competencia social ciudadana: fomentar la colaboración entre los compañeros, así como valores de convivencia
* Competencia cultural y artística: demostrar la aplicación de la geometría dentro de movimientos artísticos, como el cubismo.
* Competencia de aprender a aprender: enseñar al alumno diferentes formas de realizar una misma cosa para facilitar el aprendizaje
* Competencia de iniciativa personal: desarrollar la capacidad de reacción y resolución de problemas e imprevistos.

-Contenidos
* Conceptuales
Tipología de moldes. El molde perdido
* Procedimentales
Técnicas para el desarrollo de un molde perdido
Técnicas para la creación de un positivo de escayola
* Actitudinales
Potenciación de la organización y el trabajo en equipo
Potenciación de las relaciones interpersonales entre los alumnos

4. METODOLOGÍA:
Actividades y temporalización
Esta actividad es larga y costosa por lo que ocupará una parte considerable del curso. En principio se estipula que un total de unas 20 horas, aunque podría variar ligeramente en función de la soltura y habilidad de los alumnos durante el proceso.

1ª sesión (dos horas):
Breve introducción sobre los diferentes métodos de reproducción que se utilizan en escultura. Explicación en profundidad sobre cómo se realiza un molde perdido de escayola. Todo ello con apoyo de medios informáticos y fotográficos para ilustrar la explicación y facilitar la comprensión. Se pedirá a los alumnos los materiales necesarios para la próxima sesión. Además, se les exigirá traer el modelado en barro de la figura que vayan a copiar ya finalizado para la clase siguiente. Éste ha de ser sencillo y sin recovecos ni salientes para facilitar la realización del molde.

2ª sesión (una hora):
Los alumnos mostrarán al profesor las figuras que han traído y se procederá a la división de las piezas mediante recortes de acetato.

3ª sesión (dos horas):
Aplicación de la primera capa de escayola (muy líquida) en ambas partes de la pieza.

4ª sesión (tres horas):
Dar la segunda capa de escayola (bastante espesa) a las dos partes de la escultura. Deberá tener un grosor mínimo por todos los lados y estará acabada de forma uniforme.

5ª sesión (una horas) :
Abrir el molde y vaciarlo eliminando cualquier resto de barro que pudiera quedar en su interior.

6ª sesión (cuatro horas):
Se aplica estearina a todo el interior del molde y a los bordes de las piezas para poder despegarlas con facilidad más adelante. Luego se hecha una primera capa de escayola líquida y estopa y después una segunda capa más espesa. Se cierra el molde, se sellan las juntas y se fijan las piezas para que no se abran. Finalmente se procede al llenado del molde con escayola y se deja hasta que fragüe.

7ª sesión (una hora):
Desmoldar la pieza.

8ª sesión (dos horas):
Reconstrucción de las partes dañadas y eliminación de las coqueras. Corrección de las juntas.

9ª sesión (dos horas):
Aplicación de la pátina. Cada alumno elegirá libremente la pátina que desee para su escultura. Para ello traerá los materiales que necesite de casa, quedando prohibidos todos aquellos que puedan ser tóxicos por inhalación.

5. EVALUACIÓN
Se realizará pregresivamente a lo largo de todo el proceso mediante notas numéricas. Éstas responderán a dos ámbitos diferenciados:
-por un lado la valoración de los trabajos realizados (el molde y el positivo)
-por otro lado los conocimientos adquiridos, las aptitudes y actitudes de los alumnos. En este apartado se valorará la cooperación entre los alumnos, en el uso correcto del material y el espacio común de trabajo, la limpieza y organización del trabajo, etc.

FUNDAMENTOS: BREVE HISTORIA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

En la Antigüedad encontramos las primeras manifestaciones de interés por las enseñanzas artísticas a manos de Platón y Aristóteles. Ya desde entonces veían en el arte no sólo belleza, sino también utilidad.
Durante la Edad Media el arte es considerado como un mero oficio manual. Se enseñaba en talleres de trabajo y se centraba en la calidad de los materiales empleados y la buena técnica, sin esperar ningún tipo de innovación estilística o aportación personal del autor. El buen aprendizaje está considerado como la amplia experiencia y la imitación de profesionales reconocidos.
Ya en el Renacimiento y el Romanticismo aparecen las primeras escuelas y academias de dibujo. Éstas basaban sus enseñanzas en el dibujo como fundamento de todas las bellas artes y a ellas acudían únicamente los alumnos encaminados a profesiones artísticas. La enseñanza del dibujo se basaba en la copia de láminas geométricas, dibujos de grandes maestros y finalmente el dibujo del natural. Además se acompañaba de materias teóricas como la perspectiva, la anatomía y la historia del arte. Este sistema perdura hasta finales del siglo XIX.
A partir de entonces se organizan por primera vez los sistemas educativos, en los que se incluyó el dibujo como materia obligatoria. La gran novedad reside en la intención de enseñar el dibujo al conjunto de la población, ya que se consideraba necesario para el desarrollo tecnológico y la fabricación industrial. Se enseñaba por una parte el dibujo artístico para la representación de la belleza, y por otra el dibujo más técnico para la descripción exacta y objetiva de cualquier forma.
Durante la segunda mitad del siglo XIX aparecen multitud de métodos y manuales de dibujo basados en la copia de láminas.
A comienzos del siglo XX se descubre el arte infantil, lo que supone grandes novedades en la concepción de la enseñanza artística. El modo característico de dibujar de los niños dejó de considerarse como un cúmulo de errores para ser entendido como la manifestación del modo en que los niños perciben el mundo. Poco a poco se descubre un nuevo modo de representación mucho más vitalista y personal que abrían las puertas a nuevos paraísos visuales. Se descubre el arte infantil como una nueva forma de producción pictórica mucho más espontánea y pura, pues no tiene influencias culturales ni trabas sociales. La consecuencia más clara de estos acontecimientos fue la incorporación del dibujo libre y espontáneo a la Escuela de Artes y Oficios de Viena. El dibujo infantil se convirtió, además, en objeto de investigaciones psicoeducativas.
Es a partir de la segunda mitad de siglo cuando aparece el concepto de "autoexpresión creativa".
Ésta tenía como fundamento el desarrollo pleno de la personalidad del niño: su sensibilidad, creatividad personal, posibilidades expresivas, su autoestima, etc. El objetivo es que a través del arte aprendan a ser personas. Lo importante es, por tanto, el efecto que éste produce en las personas y no el resultado. Es así como el dibujo libre y espontáneo se convierte en la base fundamental de la educación artística. Durante este período se considera que la imitación de otros coíbe el desarrollo de la propia personalidad y se le da mayor relevancia a la propia capacidad creativa.
En 1951 la UNESCO organiza un seminario sobre educación artística que concluye con la fundación en 1954 de la Sociedad Internacional de Educación a través del Arte (INSEA). Esta organización se convertirá en la más importante de Educación Artística a nivel internacional. Entre otras novedades se aprobó la obligatoriedad de la Educación Artística en la escuela primaria y la libre expresión como método de enseñanza.
En la década de los 70 se produce un rotundo cambio en el entendimiento de la Educación Artística. El psicólogo Arnheim demostró que la percepción visual es un proceso cognitivo activo y complejo, lo que produjo grandes consecuencias educativas. La imagen ya no es únicamente la expresión de emociones y sentimientos, sino una forma de pensamiento. La causa principal de esta nueva idea de arte fue el desarrollo de los nuevos grandes medios de comunicación visual, principalmente la televisión. Se observó que la capacidad comunicativa de las imágenes ya no residía tanto en sus valores artísticos o estéticos, sino en la capacidad de llegar de forma rápida y rotunda a un gran número de personas. La relación entre el lenguaje verbal y el visual se intensificó y comenzaron a buscarse y estudiarse los elementos básicos de este nuevo lenguaje, así como las reglas y normas que regulaban las relaciones entre dichos elementos y los códigos con que interpretar sus significados. Dondis estableció los siguientes: el punto, la línea, el contorno, la dirección, el tono, el color, la textura, la proporción, la dimensión y el movimiento. El currículo fue cambiando dándole mucha importancia al estudio de estos elementos básicos del lenguaje plástico y sus diferentes combinaciones.
También en esta década se promovieron numerosos proyectos educativos en las enseñanzas artísticas. El de mayor repercusión fue la DBAE, promovido por Elliot W. Eisner ya en la década de los 80. El objetivo fundamental de este proyecto era que el alumnado comprendiera y apreciara el arte a través del conocimiento de teorías y conceptos artísticos, así como de la propia experiendia creadora. Se estructura en cuatro disciplinas: la estética, que desarrolla las teorías y conceptos sobre la naturaleza del arte; la crítica de arte; la historia del arte; y finalmente las diferentes modalidades artísticas (dibujo, pintura, cerámica, arquitectura, etc.). Se entiende que el currículo debe integrar todas y cada una de estas disciplinas de forma equitativa.
El conjunto de obras de arte que deben estudiarse ha de ser amplio, incluyendo las bellas artes, las artes populares, el diseño y las artesanías, tanto de todas las culturas como de todas las épocas. Se trata de educar a personas capaces de enfrentarse al mundo del arte y la cultura con asiduidad y criterio. La DBAE considera que el conocimiento en profundidad de las mejores obras de arte sirve de apoyo y estímulo, y fomenta la creatividad.
En los últimos años estas ideas han sido cuestionadas, intentando integrar en el currículo imágenes más cotidianas y cercanas a los alumnos, así como las nuevas disciplinas emergentes aún no consolidadas.

Comentario personal
Es difícil estipular cuál de los metodos seguidos a lo largo de la historia es el más correcto. En mi opinión creo que la Educación Artística en la actualidad es un caos. En los colegios no se le da ninguna importancia y tanto alumnos como padres lo consideran una pérdida de tiempo con respecto a la formación curricular. En gran parte creo que esto es problema de los propios profesores que, en su mayoría, se dedican a "entretener" a los niños con actividades "facilonas" carentes de objetivos reales.
En cuanto a la organización de la Educación Artística, creo que deben diferenciarse dos etapas. Por un lado la primaria, donde la plástica debe ir enfocada al desarrollo de la personalidad del niño. Es decir, utilizar el arte como vehículo para alcanzar el pleno desarrollo de los niños. En esta etapa nada de "historia del arte" que pueda influir en la capacidad creativa y expresiva de los alumnos.
Por otro lado la secundaria. En esta etapa los niños tienen ya más formada su personalidad y empiezan a tener sus propios criterios. Es entonces cuando empezaría a hablarles de Arte a través de la historia del arte y de clases teórico-practicas enfocadas a comprender y crear comunicación artística. De este modo, la Educación Artística se fundamentaría tanto en el conocimiento como en la propia experiencia creadora. Se formaría a niños con capacidad crítica y de posicionamiento en los distintos ámbitos artísticos (autor, crítico, espectador).

ARTE CONTEMPORÁNEO Y EDUCACIÓN

¿QUÉ?
- Tomar posesión tanto de autor como de crítico, así como de espectador de los trabajos de los compañeros
- Fomentar la creatividad sin juicios ni prejuicios

¿CÓMO?
Hacemos una inversión del proceso enseñanza-aprendizaje de modo que comencemos por la práctica y las dudas para terminar con la teoría, el análisis y la crítica.

Se llevará a cabo mediante módulos o sesiones de diferente duración según las necesidades de la actividad a desarrollar dando un total de 12 horas. La distribución sería la siguiente:

Sesión 1 (una hora):
Debate sobre temas sociales vinculados a sus inquietudes internas. Esto nos dará un conocimiento sobre los chavales con los que trabajamos y los hace protagonistas, partiendo en el proceso educativo, de ellos y no del profesor.
Después de recoger los temas se hará un reparto de los mismos al azar.

Sesión 2 (cuatro horas):
Desarrollo práctico del tema. El profesor hará la función de guia y promoverá el desarrollo mediante una dinámica de no prejuicios trabajando la autoestima. Los niños llevarán los conocimientos teóricos aprendidos a la práctica. Este trabajo se refuerza en casa.

Sesión 3 (cuatro horas):
Se darán nociones básicas sobre el arte contemporáneo, artistas y referentes. Sobre las formas de expresión, la ruptura de códigos y nuevos medios.

Sesión 4 (tres horas):
Harán una puesta en común de sus ejercicios prácticos, defendiendo su trabajo desde la argumentación teórica.
Se pondrán en práctica los roles de autor/crítico/espectador mediante charlas entre los propios compañeros.

Evaluación:
No se evaluará el producto final artístico, sino que éste será el vehículo para desarrollar el proceso mental. Se valorará por tanto el proceso de aprendizaje en lugar del resultado.

METODOLOGÍA: CÓMO HACER UNA UNIDAD DIDÁCTICA

En clase se nos propuso hacer una unidad didáctica por parejas cuyo tema debía ser la propia unidad didáctica. Para mí fue complicado entender el procedimiento de este ejercicio. Me liaba mucho porque entre otras cosas no conocía el tema y nunca había hecho una. Creo que hubiera sido mejor hacerla de un tema cualquiera que todos conociéramos bien. Teniendo en cuenta estas dificultades lo hicimos lo mejor que pudimos y este es el resultado:


1. LA TEMÁTICA: "La unidad didáctica"

2. APRENDIZAJE: cómo hacer una unidad didáctica

3. CONCRECIÓN CURRICULAR:
- Introducción
La unidad didáctica es una guía donde el profesor debe recoger a través de una serie de apartados qué y cómo quiere que sus alumnos aprendan un tema concreto. Con este finalidad se debe especificar las actividades, el tiempo de duración, los objetivos, las competencias, la metodología y la evaluación.
- Contextualización
Esta unidad didáctica va dirigida a los alumnos del máster del profesorado de la especialidad de dibujo. Se desarrolla en un módulo de dos horas en la asignatura de "Aprendizaje y enseñanza de las materias de la especialidad"
- Objetivos
*Generales
Aprender a organizar correctamente un tema concreto
Aprender a desarrollarlo dentro de la clase
*Específicos
Aprender en qué partes se divide una unidad didáctica
Aprender a aplicar y desarrollar los temas en la unidad didáctica
- Competencias
Entendemos que los alumnos a los que nos dirigimos en este caso (diplomados y licenciados) ya han adquirido las competencias básicas, por lo que no las contemplaremos en la unidad didáctica, aunque sí en la evaluación
- Contenidos
*Conceptuales
Qué es y para qué sirve una unidad didáctica
*Procedimentales
Desarrollo de cada uno de sus apartados
*Actitudinales
Potenciar la organización del trabajo y el trabajo en equipo

4. METODOLOGÍA:
Actividades y temporalización
1ª sesión (una hora):
Desarrollo teórico-práctico de una unidad didáctica sobre un tema conocido por todos los alumnos que servirá de ejemplo. Previamente se habrán explicado con claridad todos los apartados que componen una unidad didáctica. Según los medios con que contemos, esto puede hacerse a través de soportes tecnológicos o, en su defecto, con tiza sobre una pizarra.
2ª sesión (una hora):
Reparto de diferentes temas a los alumnos para proceder a realizar una unidad didáctica de los mismos. Los temas serán muy elementales y conocidos por los alumnos. Podrán hacerse por parejas o grupos de tres.

5. EVALUACIÓN:
Se evaluará el correcto desarrollo de la unidad didáctica en cada uno de sus apartados y la claridad con que se expongan. Además, se valorará positivamente la originalidad.

FUNDAMENTOS: OTRAS CUESTIONES RELACIONADAS

Las siguientes preguntas se han puesto en común y debatido por gupos, por lo que en algunos casos expongo las conclusiones a las que llegamos y en otros las mías propias por se diferentes.

¿Existe goce estético en las imágenes de las torres gemelas?
En mi opinión no. De hecho creo que esas imágenes están estupendas para un documental, pero me parece absurdo hablar de ellas como una obra de arte. Sería diferente si fueran un montaje audiovisual pero no es ese el caso. De hecho, no hay un intención artística en ellas. Además, resulta difícil verlas olvidando la tragedia que supuso el atentado por lo que sería complicado disfrutar viéndolas. Sin embargo, es posible que en unos años, quizás décadas, éstas imágenes resulten atractivas e incluso artísticas y estéticas para la población, pues ya se habrán descontextualizado y por tanto despojado de su carga dramática actual.

¿Hasta qué punto el arte es patrimonio cultural?
Creemos que el arte es patrimonio cultural hasta el punto en que aporte un sello de identidad para la cultura social a la que pertenece, convirtiéndose en un valor cultural. La imágenes mostradas de los Budas gigantes son una provocación para la cultura occidental, sin embago no podemos olvidar que pertenecen a una cultura con una mentalidad e ideología diferente a la nuestra. Por ese motivo, creemos que Occidente puede aconsejar sobre el valor y la conservación del patrimonio ajeno, pero sin imponerlo y respetando siempre la opinión y decisión de otras culturas.

¿En qué grado está relacionado el arte con el concepto de belleza?
En mi opinión son conceptos diferentes. En muchas ocasiones arte y belleza coinciden en un mismo objeto pero no siempre es así. De modo que existen infinitud de obras que sin ser bellas son artísticas, del mismo modo que un objeto puede ser bonito o estético sin ser considerado arte. En cualquier caso ambos conceptos son tremendamente subjetivos por lo que sería imposible ponerse de acuerdo para estipular si un objeto es bello o feo, o si es arte o no lo es. Probablemente cualquier objeto puede ser entendido como agradable estéticamente o tremendamente feo según el observador del que se trate.

¿La naturaleza en sí es un objeto artístico?
Creo que la naturaleza en si no es arte apesar de ser estética. Sin embargo puede convertirse en objeto artístico en el momento en que alguien la manipula conscientemente o interviene en ella de algún modo, dándole expresamente un reconocimiento artístico que previamente no tenía.

¿Se deben plantear límites éticos a la creación artística?
Creemos que no, de hecho muchas obras reconocidas en la actualidad no fueron comprendidas en su momento. Los límites los pone el propio espectador, que es quien decide libremente si ver algo o no verlo según el valor que él mismo confiere a la obra.

¿Hasta qué punto es necesaria la técnica?
Creemos que depende de la obra. En muchos casos es imprescindible una buena técnica y realización. Por ejemplo no podríamos hacer una escultura de hierro si no supieramos soldar correctamente. Sin embargo creemos que también se puede hacer arte sin necesidad de dominar ninguna técnica en concreto.

¿La originalidad es condición sinecuano de la obra de arte?
Por supuesto. A nadie se le ocurriría pagar un dineral por un póster de las meninas porque sabemos que no es es original. Aunque se hiciera una réplica exacta del cuadro nunca tendría el mismo valor que el original.

¿Existe un esencia en la obra artística o todo en ella depende de la cultura en la que se inscribe?
Yo creo que es más una cuestión cultural que de esencia. Quizás haya alguna obra que consiguiera poner de acuerdo a todo el planeta y, aunque lo desconozco, lo dudo enormemente. Cada cultura tiene un concepto diferente de la estética y me resulta difícil creer que un mismo objeto pueda ser igualmente valorado por un indígena, un esquimal, un neoyorquino o un masai.

FUNDAMENTOS: SOBRE ARTE

Cinco años de carrera hablando y escuchando multitud de opiniones sobre ello y aún no sabría definirlo. Si me preguntan qué entiendo yo por ARTE la respuesta es clara: depende. Depende del momento, del contexto, de tantas situaciones que una misma cosa podría considerarla arte hoy, pero no mañana. O quizás alrevés. No puedo dar un respuesta definitiva a la pregunta "¿qué es arte?". Sólo tengo claro que el arte es subjetivo y absolutamente personal. Nadie debería tener derecho a afirmar qué es arte y qué no lo es. En mi caso, considero arte aquello que me transmite algo. Sólo eso. Puede ser bonito o feo, bueno o malo, qué más me da si a mi me gusta y me hace sentir algo. Eso es arte para mi, comunicación. Pero no del artista conmigo, sino entre la obra y yo. Por eso el arte es subjetivo, nunca podremos saber cómo afectará la obra al espectador, eso es lo emocionante.

En relación a la palabra artista también podrían darse multitud de definiciones. Yo me quedo con que cualquiera puede serlo. Sólo debe ser honesto y sincero consigo mismo y creer en lo que hace. Puede que nadie entienda su obra pero, ¿qué importa eso si así eres feliz?


"Ser artista no significa sólo pintar, se trata además de una forma de vida. Es una forma de ver el mundo, de reconocer la belleza que nos rodea y aumentarla. El pintor es de una especie diferente al resto de la gente. Todo en él es diferente de lo que rodea a los demás: su estilo de vida, el ambiente de su hogar, su vivienda, su habitación, su jardín..."
Hundertwasser