FUNDAMENTOS: BREVE HISTORIA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

En la Antigüedad encontramos las primeras manifestaciones de interés por las enseñanzas artísticas a manos de Platón y Aristóteles. Ya desde entonces veían en el arte no sólo belleza, sino también utilidad.
Durante la Edad Media el arte es considerado como un mero oficio manual. Se enseñaba en talleres de trabajo y se centraba en la calidad de los materiales empleados y la buena técnica, sin esperar ningún tipo de innovación estilística o aportación personal del autor. El buen aprendizaje está considerado como la amplia experiencia y la imitación de profesionales reconocidos.
Ya en el Renacimiento y el Romanticismo aparecen las primeras escuelas y academias de dibujo. Éstas basaban sus enseñanzas en el dibujo como fundamento de todas las bellas artes y a ellas acudían únicamente los alumnos encaminados a profesiones artísticas. La enseñanza del dibujo se basaba en la copia de láminas geométricas, dibujos de grandes maestros y finalmente el dibujo del natural. Además se acompañaba de materias teóricas como la perspectiva, la anatomía y la historia del arte. Este sistema perdura hasta finales del siglo XIX.
A partir de entonces se organizan por primera vez los sistemas educativos, en los que se incluyó el dibujo como materia obligatoria. La gran novedad reside en la intención de enseñar el dibujo al conjunto de la población, ya que se consideraba necesario para el desarrollo tecnológico y la fabricación industrial. Se enseñaba por una parte el dibujo artístico para la representación de la belleza, y por otra el dibujo más técnico para la descripción exacta y objetiva de cualquier forma.
Durante la segunda mitad del siglo XIX aparecen multitud de métodos y manuales de dibujo basados en la copia de láminas.
A comienzos del siglo XX se descubre el arte infantil, lo que supone grandes novedades en la concepción de la enseñanza artística. El modo característico de dibujar de los niños dejó de considerarse como un cúmulo de errores para ser entendido como la manifestación del modo en que los niños perciben el mundo. Poco a poco se descubre un nuevo modo de representación mucho más vitalista y personal que abrían las puertas a nuevos paraísos visuales. Se descubre el arte infantil como una nueva forma de producción pictórica mucho más espontánea y pura, pues no tiene influencias culturales ni trabas sociales. La consecuencia más clara de estos acontecimientos fue la incorporación del dibujo libre y espontáneo a la Escuela de Artes y Oficios de Viena. El dibujo infantil se convirtió, además, en objeto de investigaciones psicoeducativas.
Es a partir de la segunda mitad de siglo cuando aparece el concepto de "autoexpresión creativa".
Ésta tenía como fundamento el desarrollo pleno de la personalidad del niño: su sensibilidad, creatividad personal, posibilidades expresivas, su autoestima, etc. El objetivo es que a través del arte aprendan a ser personas. Lo importante es, por tanto, el efecto que éste produce en las personas y no el resultado. Es así como el dibujo libre y espontáneo se convierte en la base fundamental de la educación artística. Durante este período se considera que la imitación de otros coíbe el desarrollo de la propia personalidad y se le da mayor relevancia a la propia capacidad creativa.
En 1951 la UNESCO organiza un seminario sobre educación artística que concluye con la fundación en 1954 de la Sociedad Internacional de Educación a través del Arte (INSEA). Esta organización se convertirá en la más importante de Educación Artística a nivel internacional. Entre otras novedades se aprobó la obligatoriedad de la Educación Artística en la escuela primaria y la libre expresión como método de enseñanza.
En la década de los 70 se produce un rotundo cambio en el entendimiento de la Educación Artística. El psicólogo Arnheim demostró que la percepción visual es un proceso cognitivo activo y complejo, lo que produjo grandes consecuencias educativas. La imagen ya no es únicamente la expresión de emociones y sentimientos, sino una forma de pensamiento. La causa principal de esta nueva idea de arte fue el desarrollo de los nuevos grandes medios de comunicación visual, principalmente la televisión. Se observó que la capacidad comunicativa de las imágenes ya no residía tanto en sus valores artísticos o estéticos, sino en la capacidad de llegar de forma rápida y rotunda a un gran número de personas. La relación entre el lenguaje verbal y el visual se intensificó y comenzaron a buscarse y estudiarse los elementos básicos de este nuevo lenguaje, así como las reglas y normas que regulaban las relaciones entre dichos elementos y los códigos con que interpretar sus significados. Dondis estableció los siguientes: el punto, la línea, el contorno, la dirección, el tono, el color, la textura, la proporción, la dimensión y el movimiento. El currículo fue cambiando dándole mucha importancia al estudio de estos elementos básicos del lenguaje plástico y sus diferentes combinaciones.
También en esta década se promovieron numerosos proyectos educativos en las enseñanzas artísticas. El de mayor repercusión fue la DBAE, promovido por Elliot W. Eisner ya en la década de los 80. El objetivo fundamental de este proyecto era que el alumnado comprendiera y apreciara el arte a través del conocimiento de teorías y conceptos artísticos, así como de la propia experiendia creadora. Se estructura en cuatro disciplinas: la estética, que desarrolla las teorías y conceptos sobre la naturaleza del arte; la crítica de arte; la historia del arte; y finalmente las diferentes modalidades artísticas (dibujo, pintura, cerámica, arquitectura, etc.). Se entiende que el currículo debe integrar todas y cada una de estas disciplinas de forma equitativa.
El conjunto de obras de arte que deben estudiarse ha de ser amplio, incluyendo las bellas artes, las artes populares, el diseño y las artesanías, tanto de todas las culturas como de todas las épocas. Se trata de educar a personas capaces de enfrentarse al mundo del arte y la cultura con asiduidad y criterio. La DBAE considera que el conocimiento en profundidad de las mejores obras de arte sirve de apoyo y estímulo, y fomenta la creatividad.
En los últimos años estas ideas han sido cuestionadas, intentando integrar en el currículo imágenes más cotidianas y cercanas a los alumnos, así como las nuevas disciplinas emergentes aún no consolidadas.

Comentario personal
Es difícil estipular cuál de los metodos seguidos a lo largo de la historia es el más correcto. En mi opinión creo que la Educación Artística en la actualidad es un caos. En los colegios no se le da ninguna importancia y tanto alumnos como padres lo consideran una pérdida de tiempo con respecto a la formación curricular. En gran parte creo que esto es problema de los propios profesores que, en su mayoría, se dedican a "entretener" a los niños con actividades "facilonas" carentes de objetivos reales.
En cuanto a la organización de la Educación Artística, creo que deben diferenciarse dos etapas. Por un lado la primaria, donde la plástica debe ir enfocada al desarrollo de la personalidad del niño. Es decir, utilizar el arte como vehículo para alcanzar el pleno desarrollo de los niños. En esta etapa nada de "historia del arte" que pueda influir en la capacidad creativa y expresiva de los alumnos.
Por otro lado la secundaria. En esta etapa los niños tienen ya más formada su personalidad y empiezan a tener sus propios criterios. Es entonces cuando empezaría a hablarles de Arte a través de la historia del arte y de clases teórico-practicas enfocadas a comprender y crear comunicación artística. De este modo, la Educación Artística se fundamentaría tanto en el conocimiento como en la propia experiencia creadora. Se formaría a niños con capacidad crítica y de posicionamiento en los distintos ámbitos artísticos (autor, crítico, espectador).

ARTE CONTEMPORÁNEO Y EDUCACIÓN

¿QUÉ?
- Tomar posesión tanto de autor como de crítico, así como de espectador de los trabajos de los compañeros
- Fomentar la creatividad sin juicios ni prejuicios

¿CÓMO?
Hacemos una inversión del proceso enseñanza-aprendizaje de modo que comencemos por la práctica y las dudas para terminar con la teoría, el análisis y la crítica.

Se llevará a cabo mediante módulos o sesiones de diferente duración según las necesidades de la actividad a desarrollar dando un total de 12 horas. La distribución sería la siguiente:

Sesión 1 (una hora):
Debate sobre temas sociales vinculados a sus inquietudes internas. Esto nos dará un conocimiento sobre los chavales con los que trabajamos y los hace protagonistas, partiendo en el proceso educativo, de ellos y no del profesor.
Después de recoger los temas se hará un reparto de los mismos al azar.

Sesión 2 (cuatro horas):
Desarrollo práctico del tema. El profesor hará la función de guia y promoverá el desarrollo mediante una dinámica de no prejuicios trabajando la autoestima. Los niños llevarán los conocimientos teóricos aprendidos a la práctica. Este trabajo se refuerza en casa.

Sesión 3 (cuatro horas):
Se darán nociones básicas sobre el arte contemporáneo, artistas y referentes. Sobre las formas de expresión, la ruptura de códigos y nuevos medios.

Sesión 4 (tres horas):
Harán una puesta en común de sus ejercicios prácticos, defendiendo su trabajo desde la argumentación teórica.
Se pondrán en práctica los roles de autor/crítico/espectador mediante charlas entre los propios compañeros.

Evaluación:
No se evaluará el producto final artístico, sino que éste será el vehículo para desarrollar el proceso mental. Se valorará por tanto el proceso de aprendizaje en lugar del resultado.

METODOLOGÍA: CÓMO HACER UNA UNIDAD DIDÁCTICA

En clase se nos propuso hacer una unidad didáctica por parejas cuyo tema debía ser la propia unidad didáctica. Para mí fue complicado entender el procedimiento de este ejercicio. Me liaba mucho porque entre otras cosas no conocía el tema y nunca había hecho una. Creo que hubiera sido mejor hacerla de un tema cualquiera que todos conociéramos bien. Teniendo en cuenta estas dificultades lo hicimos lo mejor que pudimos y este es el resultado:


1. LA TEMÁTICA: "La unidad didáctica"

2. APRENDIZAJE: cómo hacer una unidad didáctica

3. CONCRECIÓN CURRICULAR:
- Introducción
La unidad didáctica es una guía donde el profesor debe recoger a través de una serie de apartados qué y cómo quiere que sus alumnos aprendan un tema concreto. Con este finalidad se debe especificar las actividades, el tiempo de duración, los objetivos, las competencias, la metodología y la evaluación.
- Contextualización
Esta unidad didáctica va dirigida a los alumnos del máster del profesorado de la especialidad de dibujo. Se desarrolla en un módulo de dos horas en la asignatura de "Aprendizaje y enseñanza de las materias de la especialidad"
- Objetivos
*Generales
Aprender a organizar correctamente un tema concreto
Aprender a desarrollarlo dentro de la clase
*Específicos
Aprender en qué partes se divide una unidad didáctica
Aprender a aplicar y desarrollar los temas en la unidad didáctica
- Competencias
Entendemos que los alumnos a los que nos dirigimos en este caso (diplomados y licenciados) ya han adquirido las competencias básicas, por lo que no las contemplaremos en la unidad didáctica, aunque sí en la evaluación
- Contenidos
*Conceptuales
Qué es y para qué sirve una unidad didáctica
*Procedimentales
Desarrollo de cada uno de sus apartados
*Actitudinales
Potenciar la organización del trabajo y el trabajo en equipo

4. METODOLOGÍA:
Actividades y temporalización
1ª sesión (una hora):
Desarrollo teórico-práctico de una unidad didáctica sobre un tema conocido por todos los alumnos que servirá de ejemplo. Previamente se habrán explicado con claridad todos los apartados que componen una unidad didáctica. Según los medios con que contemos, esto puede hacerse a través de soportes tecnológicos o, en su defecto, con tiza sobre una pizarra.
2ª sesión (una hora):
Reparto de diferentes temas a los alumnos para proceder a realizar una unidad didáctica de los mismos. Los temas serán muy elementales y conocidos por los alumnos. Podrán hacerse por parejas o grupos de tres.

5. EVALUACIÓN:
Se evaluará el correcto desarrollo de la unidad didáctica en cada uno de sus apartados y la claridad con que se expongan. Además, se valorará positivamente la originalidad.

FUNDAMENTOS: OTRAS CUESTIONES RELACIONADAS

Las siguientes preguntas se han puesto en común y debatido por gupos, por lo que en algunos casos expongo las conclusiones a las que llegamos y en otros las mías propias por se diferentes.

¿Existe goce estético en las imágenes de las torres gemelas?
En mi opinión no. De hecho creo que esas imágenes están estupendas para un documental, pero me parece absurdo hablar de ellas como una obra de arte. Sería diferente si fueran un montaje audiovisual pero no es ese el caso. De hecho, no hay un intención artística en ellas. Además, resulta difícil verlas olvidando la tragedia que supuso el atentado por lo que sería complicado disfrutar viéndolas. Sin embargo, es posible que en unos años, quizás décadas, éstas imágenes resulten atractivas e incluso artísticas y estéticas para la población, pues ya se habrán descontextualizado y por tanto despojado de su carga dramática actual.

¿Hasta qué punto el arte es patrimonio cultural?
Creemos que el arte es patrimonio cultural hasta el punto en que aporte un sello de identidad para la cultura social a la que pertenece, convirtiéndose en un valor cultural. La imágenes mostradas de los Budas gigantes son una provocación para la cultura occidental, sin embago no podemos olvidar que pertenecen a una cultura con una mentalidad e ideología diferente a la nuestra. Por ese motivo, creemos que Occidente puede aconsejar sobre el valor y la conservación del patrimonio ajeno, pero sin imponerlo y respetando siempre la opinión y decisión de otras culturas.

¿En qué grado está relacionado el arte con el concepto de belleza?
En mi opinión son conceptos diferentes. En muchas ocasiones arte y belleza coinciden en un mismo objeto pero no siempre es así. De modo que existen infinitud de obras que sin ser bellas son artísticas, del mismo modo que un objeto puede ser bonito o estético sin ser considerado arte. En cualquier caso ambos conceptos son tremendamente subjetivos por lo que sería imposible ponerse de acuerdo para estipular si un objeto es bello o feo, o si es arte o no lo es. Probablemente cualquier objeto puede ser entendido como agradable estéticamente o tremendamente feo según el observador del que se trate.

¿La naturaleza en sí es un objeto artístico?
Creo que la naturaleza en si no es arte apesar de ser estética. Sin embargo puede convertirse en objeto artístico en el momento en que alguien la manipula conscientemente o interviene en ella de algún modo, dándole expresamente un reconocimiento artístico que previamente no tenía.

¿Se deben plantear límites éticos a la creación artística?
Creemos que no, de hecho muchas obras reconocidas en la actualidad no fueron comprendidas en su momento. Los límites los pone el propio espectador, que es quien decide libremente si ver algo o no verlo según el valor que él mismo confiere a la obra.

¿Hasta qué punto es necesaria la técnica?
Creemos que depende de la obra. En muchos casos es imprescindible una buena técnica y realización. Por ejemplo no podríamos hacer una escultura de hierro si no supieramos soldar correctamente. Sin embargo creemos que también se puede hacer arte sin necesidad de dominar ninguna técnica en concreto.

¿La originalidad es condición sinecuano de la obra de arte?
Por supuesto. A nadie se le ocurriría pagar un dineral por un póster de las meninas porque sabemos que no es es original. Aunque se hiciera una réplica exacta del cuadro nunca tendría el mismo valor que el original.

¿Existe un esencia en la obra artística o todo en ella depende de la cultura en la que se inscribe?
Yo creo que es más una cuestión cultural que de esencia. Quizás haya alguna obra que consiguiera poner de acuerdo a todo el planeta y, aunque lo desconozco, lo dudo enormemente. Cada cultura tiene un concepto diferente de la estética y me resulta difícil creer que un mismo objeto pueda ser igualmente valorado por un indígena, un esquimal, un neoyorquino o un masai.

FUNDAMENTOS: SOBRE ARTE

Cinco años de carrera hablando y escuchando multitud de opiniones sobre ello y aún no sabría definirlo. Si me preguntan qué entiendo yo por ARTE la respuesta es clara: depende. Depende del momento, del contexto, de tantas situaciones que una misma cosa podría considerarla arte hoy, pero no mañana. O quizás alrevés. No puedo dar un respuesta definitiva a la pregunta "¿qué es arte?". Sólo tengo claro que el arte es subjetivo y absolutamente personal. Nadie debería tener derecho a afirmar qué es arte y qué no lo es. En mi caso, considero arte aquello que me transmite algo. Sólo eso. Puede ser bonito o feo, bueno o malo, qué más me da si a mi me gusta y me hace sentir algo. Eso es arte para mi, comunicación. Pero no del artista conmigo, sino entre la obra y yo. Por eso el arte es subjetivo, nunca podremos saber cómo afectará la obra al espectador, eso es lo emocionante.

En relación a la palabra artista también podrían darse multitud de definiciones. Yo me quedo con que cualquiera puede serlo. Sólo debe ser honesto y sincero consigo mismo y creer en lo que hace. Puede que nadie entienda su obra pero, ¿qué importa eso si así eres feliz?


"Ser artista no significa sólo pintar, se trata además de una forma de vida. Es una forma de ver el mundo, de reconocer la belleza que nos rodea y aumentarla. El pintor es de una especie diferente al resto de la gente. Todo en él es diferente de lo que rodea a los demás: su estilo de vida, el ambiente de su hogar, su vivienda, su habitación, su jardín..."
Hundertwasser